Des hommes et des dieux  de Xavier Beauvois

Synopsis :

 Un monastère perché dans les montagnes du Maghreb, dans les années 1990. Huit moines chrétiens français vivent en harmonie avec leurs frères musulmans. Quand une équipe de travailleurs étrangers est massacrée par un groupe islamiste, la terreur s’installe dans la région. L'armée propose une protection aux moines, mais ceux-ci refusent. Doivent-ils partir ? Malgré les menaces grandissantes qui les entourent, la décision des moines de rester coûte que coûte, se concrétise jour après jour…

Ce film s’inspire librement de la vie des Moines Cisterciens de Tibhirine en Algérie de 1993 jusqu’à leur enlèvement en 1996.

Critique

Xavier Beauvois a réussi une œuvre spirituelle bouleversante qui prend appui sur une certaine idée de Dieu pour mieux nous mener au cœur de l'homme. Sans jamais laisser échapper une scène qui sentirait la reconstitution, ce drame historique touche à ce qu'ils y a de plus profond en nous, que nous soyons croyants ou pas.

Il y a des hommes. Des hommes perdus, en proie avec leurs doutes, leurs engagements et leur foi. Des hommes de Dieu face à la violence du monde et à la peur. Revenant sur la tragédie de Tibhirine, le cinéaste propose un portrait contemplatif qui nous fait pénétrer dans l'intimité de ces moines, il y a cependant, quelques longueurs et des passages chargés en symbolisme, mais chaque plan n'en demeure pas moins fascinant. On reste envouté par ce récit mêlé de chants religieux et de prières.

Si la religion vous provoque des crises d'urticaires, vous risquez de ne pas le supporter, mais ce serait vraiment rater une expérience de cinéma pas comme les autres. 

Il y a Tant d'amour Dans ce film ......

J’ai adoré la scène où le « fantôme du métro », joué par Vincent Schiavelli, enseigne à Sam comment déplacer des objets avec ses «puissances de fantôme »

Ghost

. Synopsis

Sam Wheat, cadre dans une banque d'affaires new-yorkaise, et Molly Jensen, sculpteur, s'aiment. Alors qu'ils vivent le parfait amour, ils emménagent dans un grand appartement à New York. Un soir, dans une ruelle sinistre tout bascule, Sam se fait agressé et abattre sous les yeux de sa compagne. A sa grande surprise il se voit mort. Devenu fantôme il va s'apercevoir que sa mort n'est pas fortuite et que la vie de Molly est en danger...coincé sur Terre. Il arrive à communiquer avec une fausse médium hystérique. Oda May Brown, qui découvre, par la même occasion, ses réels pouvoirs d'extralucide. Sam va alors enquêter sur sa propre mort et essayer de communiquer avec Molly pour découvrir son meurtrier.

Les Enfants du Paradis, 1945, de Marcel Carné

On ne peut décidément pas parler de Cinéma sans évoquer le film,
 «  Les enfants du paradis »……

En mêlant le titre de son film au générique, de la même manière que tout autre membre de son casting, Gus Van Sant affichait un parti-pris narratif clair. Comme le confirmera l'annonce de sa mort en tout début de métrage, HARVEY MILK exposait clairement ses ambitions dans cette volonté de ne pas se conformer au tout-venant du biopic, pour qui la biographie du personnage est souvent présentée dans une large période temporelle. A l'instar du récent COLUCHE, L'HISTOIRE D'UN MEC, d'Antoine De Caunes, ou plus évident, du diptyque de Steven Soderbergh consacré au CHE, la personnalité mise en avant n'est qu'une partie d'un tout, un élément acteur dont le récit sert avant tout à dépeindre une époque ou un contexte précis. Ici, ce pour quoi l'on connaît avant tout Harvey Milk, à savoir la vie politique qu'il mena tant bien que mal dans l'objectif de défendre les « nous autres », que la communauté homosexuelle caractérisait malgré elle.

Sujet qui aurait tout à fait pu tomber entre les mains de quelques opportunistes, et devenir l'étendard arriviste d'un sujet dont il est aujourd'hui bon de parler pour tout démago qui se respecte. Fort heureusement, Gus Van Sant assume clairement son sujet et n'hésite pas à mettre en scène de langoureux baisers ou de scènes de nu entre James Franco et Sean Penn, le tout ponctué de dialogues bien sentis sur leur communauté, histoire de créer une analogie inconsciente chez les culs pincés, quant aux combats honteux menés par des bien-pensants qui rejetaient constamment ce qu'ils ne comprenaient pas. Attitude qui n'a ceci dit pas bien évolué depuis le cœur des années 70, époque de discrimination où HARVEY MILK prend place et dont il retranscrit les états d'âme au gré de l'ascension sociale et politique de cet homme devenu superviseur.

Orchestré selon une structure narrative fondée sur l'enregistrement testamentaire de Milk, qui se remémore le combat qui l'a mené à se sentir menacé de mort, HARVEY MILK témoigne du retour de son réalisateur à un cinéma ouvertement moins contemplatif. Une dynamique de récit qu'exigeait le scénario de Dustin Lance Black, dont la densité, dépendante du contexte qu'il décrivait, ne permettait a priori pas une quelconque expérimentation à l'aune du sujet lui-même. Le cinéaste américain ne se prive cependant pas pour dissimuler des thématiques ou donner du sens à l'image, au travers d'un découpage qui cloisonne son personnage principal dans l'embrasure d'une porte lors de l'enregistrement, faisant état d'un état mental spécifique. Un plan qui trouvera son écho un peu plus tard, lors de cette conversation avec un adolescent que l'on découvrira handicapé à la faveur d'un raccord dans l'axe, et dont le cadre se trouvera identique à celui cité plus haut. Et ces échos de se répéter tout le long d'un métrage qui n'aura de cesse de traduire visuellement thématiques et pensées des personnages via une mise en scène pensée intégralement en fonction du récit.

Extrêmement documenté (4 ans de réécriture furent nécessaires), celui-ci rend ses personnages complexes et sait leur donner une véritable identité psychologique, mais pêche peut-être un peu trop dans leur finition. Difficile ainsi d'établir clairement les conditions de la déchéance du personnage de Dan White, futur meurtrier de Milk dont les échecs ne sont que succinctement énumérés. A trop vouloir bien faire, HARVEY MILK pêcherait aussi presque de par son aspect manichéen si son authenticité historique était encore à démontrer. Van Sant et son scénariste ne lésinent en effet jamais sur les stock shots en tous genres (les lobbys, Anita Bryant, les arrestations de gays) pour étayer leur volonté flagrante de faire parvenir au monde un message de respect quant aux différences. Un objectif atteint heureusement de main de maître, grâce à un traitement qui privilégie la puissance de la pression sociale (volonté de rester dans le placard...) sur toute morale mignonnette sur le droit à la différence. L'idéal pour permettre au spectateur de s'attacher aux personnages et faire naître l'émotion à chaque instant. Peut-être même trop facile quand un casting aussi mémorable se permet la perfection, dont un Sean Penn absolument sensationnel que l'on ne peut évidemment pas oublier de féliciter.

Parle avec elle de Pedro Almodovar

Description

Benigni, un jeune infirmier, et Marco, un écrivain d'une quarantaine d'années se rencontrent à la clinique El Bosque, où travaille Benigno. Lydia, la petite amie de Marco, torero professionnel, est plongée dans un profond coma à la suite d'un accident survenu lors d'une corrida. Benigno, quant à lui, est au chevet d'Alicia, une jeune danseuse également dans le coma. Lorsque Marco passe à côté de la chambre d'Alicia, Benigno, sans hésiter, s'approche de lui. C'est le début d'une grande amitié quelque peu mouvementée.